Llueve y hace calor en esta noche donde quedamos, paraguas en mano, con Richard Blake. Richard Blake recibió su BFA de la Escuela de Diseño de Rhode Island, incluido un año de práctica de estudio en Roma, Italia, y su MFA de la Universidad de Cornell. Después de varias exposiciones colectivas y una exposición individual en 2005, se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó a trabajar como artista de guiones gráficos para varias compañías cinematográficas y comerciales.
En 2019 aborda la su obra Hexaon Bridge (Image 2023 – Moztros 2024) creando así su primera novela gráfica que nos transporta a un plano vaporoso, melancólico y contemplativo de donde no queremos salir, como de este bar.
Hola Richard, antes de comenzar a hablar sobre Hexagon Bridge, queremos decirte lo emocionados que estamos de haber sido los responsables de publicar esta obra por primera vez en España. También queremos decirte que disfrutamos mucho de la pieza. Y, por supuesto, es un tremendo placer tenerte aquí con nosotros hoy. ¿Cómo va todo? ¿Cómo te sientes?
¡Estoy muy contento de que estén publicando el cómic y emocionado por su edición! Nunca habría pensado que el libro llegaría tan lejos como España, así que ver que esto está sucediendo es realmente maravilloso, y estoy muy agradecido por vuestras amables palabras y su respuesta a la obra. Estoy bien, fue un proyecto bastante largo para mí y mucho (siendo mi primer cómic) una experiencia de aprendizaje. En este momento estoy decidiendo qué abordar a continuación y tengo algunas cosas que estoy muy emocionado por comenzar, un proyecto en particular ha estado en mi lista desde hace mucho tiempo y creo que estoy listo para llevarlo a cabo. Esta será una serie más larga, pero también estoy trabajando en algunas piezas cortas solo para sacar algunas cosas lo antes posible.
Antes que nada, nos gustaría preguntarte cómo surgió Hexagon Bridge. ¿Fue algo natural o fue un proyecto que tuviste en mente durante años hasta que finalmente tomó forma?
Una vez que decidí que el cómic era un medio en el que quería trabajar, comencé a planificar algunas obras cortas solo para tener una idea de la forma y cómo podría querer trabajar en ella. Hexagon Bridge iba a ser originalmente un cómic web muy simple sobre un cartógrafo que viajaba mapeando otras dimensiones, metiéndose en líos, encontrando seres y paisajes extraños, algo similar a una tira cómica clásica de periódico. Esto es algo que todavía planeo hacer basado en el personaje de Martin Dutois en el libro, y será un enfoque más experimental. Al mismo tiempo que comencé a diseñar los personajes y escribir la historia para este cómic web, también estaba leyendo algunos libros sobre la historia de la cartografía y (lo que pude encontrar) explorando la posibilidad de dimensiones alternativas de la realidad. De particular relevancia es el libro de John Noble Wilford sobre la historia de la cartografía y varios libros sobre la investigación de experiencias con drogas psicodélicas. Surgió la idea de una familia de cartógrafos que intentan mapear una dimensión alternativa, y supe que tenía una historia y un drama mucho más grandes que parecían más apropiados como libro que como cómic web. Así que comencé a centrarme más específicamente en esta historia, diseñando sus personajes, mundo y el conflicto específico en el centro de la historia, que en última instancia involucra al personaje de Adley buscando a sus padres perdidos.
En tu formación, te has aventurado en áreas como el cine y las bellas artes, y este proyecto marca tu debut en el mundo de los cómics. ¿Cuál fue tu experiencia con el medio como lector, y qué te llevó a elegirlo como tu medio en lugar de optar por un producto audiovisual?
Creo que, como muchos artistas, descubrí los cómics bastante joven, y lo que principalmente me atrajo primero fue, por supuesto, el aspecto artístico del medio. Pero el hecho de que pudieras usar dibujos como una forma de contar una historia era una perspectiva increíblemente emocionante, aunque un poco desalentadora desde el punto de vista creativo. Esto también fue en los 80, así que había muchos cómics americanos geniales y atrevidos saliendo al mercado, libros como Watchmen y el trabajo de Frank Miller en Batman y Elektra, pero también todos los pequeños editores independientes que publicaban todo tipo de cosas locas. Se sentía como si algo realmente emocionante estuviera ocurriendo y emergiendo. Por varias razones, me alejé del medio y terminé en las bellas artes y el cine, y a lo largo de mis 20 años estuve haciendo varios proyectos en esa línea. Fue realmente mi frustración con el cine – la lentitud de la producción, el dinero y la enorme logística – lo que realmente me hizo pensar de nuevo en los cómics. Pese a que en los cómics se exige un montón de trabajo trabajo, sigue siendo una práctica increíblemente directa en comparación con el cine… particularmente si estás haciendo todo por ti mismo. Puedes imaginar historias y explorar ideas con una inmediatez que pocos medios visuales de narración tienen. Además, debo señalar que no pienso en los cómics como paralelos al cine. Tienen elementos cinematográficos, pero es emocionante como un medio en sí mismo. Cuando estoy creando un libro, solo estoy pensando en cómo funciona cómo cómic, y no como un plano para algo más. El potencial del diseño de la página y el diseño del libro es más que suficiente para explorar y considerar. Es muy rico e interminable en términos de posibilidades creativas.
Siendo una historia tan onírica que se centra más en transmitir que en contar, si tuvieras recursos ilimitados, ¿crees que podría haber funcionado igual de bien como algún tipo de cortometraje?
La premisa básica de la historia y todos los elementos de diseño ciertamente podrían tomarse y hacerse en una especie de pieza audiovisual, pero sería una cosa muy diferente. El verdadero desafío del cine, incluso con recursos ilimitados, es crear un mundo que se lea como creíble. Cualquier error en el diseño de producción, la fotografía, la actuación, etc. puede sacar al espectador del trabajo y revelarse como algo poco convincente. La belleza de contar una historia gráficamente es que los dibujos están tan abstraídos del mundo “real” como lo experimentamos. Existen dentro de su propia realidad aislada, y mientras sean relativamente consistentes, ese mundo aislado puede mantenerse efectivamente para un lector. Así que, si bien el cine es un sitio increíble para la construcción de sueños, también es el más difícil de mantener desde el punto de vista de la credibilidad. Probablemente porque requiere que el lector utilice su imaginación al unir todos los paneles dispares. Como medio, los cómics parecen activar sueños dentro de la conciencia en lugar de solo mostrarlos. Dicho esto, he considerado hacer algunas piezas de animación cortas basadas en la estética del mundo y los entornos del libro, pero nuevamente, al final será algo muy diferente.
Sabemos que el reconocido Jonathan Hickman fue bastante influyente para que este proyecto despegara. ¿Qué significó para ti el reconocimiento de un autor tan conocido, y cómo ha sido tu experiencia como autor debutante en una editorial con tanta historia como Image?
De hecho, fue increíblemente generoso por parte de Hickman llevarme a la atención de Eric Stephenson en Image. Creo que es justo decir que sin su ayuda no estaría hablando contigo ahora, así que estoy eternamente agradecido por su apoyo. Del mismo modo, todos en Image han sido geniales para trabajar. Realmente fue el ajuste perfecto ya que la filosofía de Image realmente apoya la visión del creador, y Eric fue increíblemente solidario durante todo el proceso. Como autor debutante, no creo que podría haber pedido una mejor oportunidad. El libro ciertamente tiene un aspecto experimental y Image siempre estuvo detrás de esas decisiones, así que fue realmente un lugar maravilloso para aterrizar.
Como autor estadounidense, es sorprendente que el aspecto gráfico esté claramente influenciado por un estilo más asociado con el mercado franco-belga. ¿Es este un estilo que buscaste intencionalmente o fue algo más inherente a tu trabajo e influencias?
Mencioné haber encontrado autores y artistas como Miller y Sienkiewicz en los 80, pero fue realmente cuando descubrí el trabajo de Moebius, Bilal y Schuiten en las páginas de Heavy Metal que encontré el camino estético que quería seguir. Esa revista me presentó a tantos artistas que forman la columna vertebral de mi influencia, no solo en la tradición franco-belga, sino también en creadores argentinos como Juan Giménez, Alfonso Font y Fernando Rubio. Hay un nivel de arte allí que establecí como algo a lo que aspirar, incluso si nunca me acerco a ello. Hexagon Bridge es esencialmente el tipo de cómic que me hubiera gustado encontrar enterrado en los polvorientos montones de viejos cómics europeos cuando era niño… una especie de mensaje en la botella enviado de vuelta a mi yo más joven.
También nos gustaría destacar a nuestros lectores que, además de contar con un aspecto visual impresionante, digno de ser exhibido en museos, la narrativa que usas para contar la historia es absolutamente magistral. ¿Cómo lograste este nivel?
¡Mis más sinceros agradecimientos por tus comentarios! En toda honestidad, siento que todavía tengo mucho que aprender en términos de mi enfoque narrativo. Había escrito cuentos y guiones antes de comenzar a trabajar en cómics y estudie las diversas estructuras formales desarrolladas por escritores experimentados en esos campos, pero con Hexagon Bridge quise tomar un enfoque ligeramente diferente. Quise contar la historia a un nivel visual y subtextual tanto como fuera posible, es decir, más se ve que se dice. Las emociones de los personajes están integradas en el tejido de cada elemento visual del libro en lugar del texto. Los colores, el diseño de la página y las composiciones de los paneles reflejan el estado de ánimo y los pensamientos. Como tal, es más un libro de “vibras” y funciona más como una pieza de música ambiental que, digamos, un guión de película. Todos los momentos emocionales están allí, pero son más como una corriente subterránea dentro de la estructura formal del libro. Del mismo modo, como una de las piezas de música generativa de Brian Eno, no tiene un comienzo claro, un medio y un final, solo se mueve de una sección a otra, siempre regresando a los mismos temas y emociones. Parte de esto fue intencional y gran parte fue instintivo, pero con suerte, todo se combina para algo más grande que solo la suma de sus partes.
Para cerrar, Richard, ¿qué consejos darías a los nuevos artistas y creadores que están empezando? ¿Qué les dirías a aquellos que sueñan con dar el salto a un medio como el cómic o cualquier otro arte narrativo?
Sin duda alguna, el trabajo constante es clave. Sea cual sea el medio en el que decidas trabajar, se debe abordar de manera continua y constante. Se avanza paso a paso, siempre revisando el trabajo anterior y buscando maneras de mejorar. La evolución en el arte llega de esa manera, y con ella, la voz personal del creador comienza a emerger con mayor claridad. Es importante no compararse demasiado con otros artistas, especialmente aquellos con mucha más experiencia. Cada uno sigue su propio camino y desarrolla su arte a su propio ritmo. No hay un calendario establecido para el éxito, y no siempre se manifiesta de la manera que uno esperaba. Lo esencial es mantenerse fiel a la pasión por el trabajo y dejar que el proceso de creación sea su propia recompensa. Todo lo demás sigue de manera natural si la dedicación y el amor por el arte son genuinos.
Ha sido un placer charlar contigo Richard, ¡Muchísimas gracias por habernos dedicado tu tiempo y esperamos volver a tenerte pronto por la casa!
El placer ha sido mío, gracias y mando un saludo a todos los lectores de Moztros, ¡hasta pronto!
